「進錄音室」對許多樂團朋友來說，是音樂生涯中的大事，然而，對于錄音過程不熟悉的新人來說，或許不知道這之中的許多「眉角」，不管是生理還是心理狀態上也可能有準備不足的狀況發生。
　　如何與錄音師有效溝通？
　　避免給予空泛的指示，請準備參考素材。
　　你希望作品錄制成什么樣子、有沒有像哪一首歌或哪一張別人的專輯，樂團要能具體講述需求，最好能事先將參考素材準備給錄音師；此外，也要有基本的錄音知識和概念，例如音量大小、頻率高低，這些最好都能「具體地提出指示」，避免空泛、虛無飄渺的形容詞，因為每個人都有自己對音樂的想象，使用形容詞描述無法確知討論范疇。
　　請根據自己的曲風，找個能夠參考的依據，讓錄音師知道想錄出來的質感、音色是什么樣，不要害怕提出自己的要求，準確的表達才能事半功倍。Oliver直接說：「錄音師不怕你煩你要求多多，最怕是你沒有要求、什么都無所謂、不確定，不爽不舒服也不說，結束后滿肚子抱怨。」
　　不要太過固執，試試錄音師的意見。
　　若是在過程中，樂團和錄音師有不同的想法，兩者之前應該要有信任感，錄音師是最熟悉環境的人，意見值得被參考及尊重，「如果你說，『我平常就都用這個音箱，這音箱才是我的聲音』，錄音師有別的意見，身為樂手是可以嘗試看看新的做法，不要立刻很反彈說怎樣才是我的聲音，大家都會有各自的意見，但互相尊重會得到最好的結果。」
　　如果不堅持己見的人，也很難做好音樂，他會提供選項給樂團，但還是以樂團最后的意見為準，「如果他們覺得自己的辦法還是最好，就用他們的，畢竟那是他們的音樂，是他們要完成的東西，即使是一個失敗的過程，也是他們要經歷的，那我就陪他們一起經歷沒關系。」
　　不要把錄音遇到的挫折看得太重。
　　其實進錄音室對每位音樂人來說都是殘酷的考驗，在錄音室中所有東西都會被仔細檢驗，沒有任何模糊空間，「這對音樂人來說是很煎熬的事，如果你的東西不夠好就會很難過，但這樣的難過對于以后的音樂是很好的參考點。」經過鍛煉之后就會成長許多，也能成為下一張作品的養分，所以不必把錄音時遇到的挫折看得太重，重要的是從中學習。
　　不要盲從工作帶。
　　工作帶會造成局限，只告訴樂手什么是對的，卻少了互動，沒有辦法產生一個絕妙的take。最好是一位團員錄音時，其他成員也在旁邊一起錄，同步錄下全部樂器，雖然不一定會使用，但這樣的演奏才具有生命力。魏駿心中最理想的錄音狀況是不用工作帶：「你跟著『人』演奏，同樣彈十次一定會有很大的差別。刺激感、情緒張力后制是做不出來的，只有在演奏的瞬間，錄進去的source有就有、沒有就沒有。」還有另外一種狀態，是大家一起錄音，吉他手可能會說：「你不要送Keyboard的聲音給我。」

　　與其執著于工作帶，跟團員們一起錄音，互動之間產生的音樂會有更棒的效果！
　　現場演出和錄音差異何在？
　　不要以為現場表演力道帶進錄音室就會錄出好東西。
　　對于表演和錄音經驗都不夠豐厚的樂團來說，這兩者的演奏方式差異很難拿捏，從錄音師的眼光來看，現場演出時為了吸引、感染觀眾，需要向外放射能量，很多新進樂團以為把這樣的力道帶進錄音室里就會錄出好東西，其實不然，魏駿說明：「大部分習慣在現場演出的樂團，可能你覺得這個tone聽起來很爽，但如果把相同的音色放入唱片里的話，你只會覺得很糊，整體音量也會產生問題，頻率和能量的分配上，你會沒有辦法做到一般市售唱片的音量。」
　　精神和態度不是唯一，音準和細節更需要注重。
　　錄音師們建議，要能將演出的精神和態度帶進錄音室，但是也要兼顧熱情和音準。部份的電子音樂錄音作品更強調華麗、精致等表演時可能會忽略的細節，因此還是取決于音樂類型，再來尋找關聯性。他也進一步提到，由于兩者對象的不同，其實心態上也有差異，現場面對觀眾有時能得到滿足的回饋，有時毫無反應，上臺前要將身體狀態準備好；錄音時面對的是喇叭，要準備的是對于音樂很細節的認知，「在那個空間就像是面對鏡子，任何瑕疵都會毫無遺漏的被檢視。」誠如冠宇所提，若不習慣面對自己音樂真實樣貌的人，照這面鏡子會有很強的挫折感。
　　不必在錄音版本加過多東西。
　　樂團的錄音作品要能在現場演出時完整演繹，而不是錄音很滿很豐富，現場演出卻完全玩不出同樣的音樂，以激膚樂團舉例，激膚以同步方式錄音，只有鼓和貝斯兩種樂器，沒有因為是錄音作品就加其他樂器來塞滿音樂內容，也因此他們現場演出能夠完全表現出錄音的樣態、甚至更好。Oliver 表示：「說到底，錄音是『紀錄』樂團的樣子；而樂團樣子的呈現，最真實的是現場演出，歌曲的意義在于直接的『演奏』，就算你錄音時左拼右貼弄得很完美，現場玩不出來，我覺得是沒有意義的。」
　　現場演出面對的是觀眾，錄音室面對的是喇叭，得到的回饋完全不同，不要以為用臺上的活力錄音就一樣能錄好。
　　進錄音室之后，最常犯的錯誤是什么？
　　自我感覺良好、準備不足。
　　錄音室非常殘酷，平常自己在家練，器材沒那么好，鼓手、吉他手音量都超大、鍵盤的聲音也濁濁的，音樂整個糊成一團，你就容易活在幻想里，覺得自己很棒，或者樂手之間的感情交流讓人很陶醉掩蓋了一切。有時候你可能覺得自己準備好了，做十次中你能做到三次就覺得自己可以做到了，但實際上沒有做到的那幾次，就是在浪費時間。
　　平常練團若只練到六十、七十分勉強及格的程度，進了錄音室之后的成果很可能只剩下二、三十分，即使練到一百分的程度，在錄音室往往只剩下五十分，冠宇提醒樂團，對自己的標準一定要設得很高，建議把練團、現場錄下來之后回去聽，學著判斷、檢視自己程度，達到全團都認為「好」的目標，如果連自己的水平在哪都聽不出來，「要進錄音室恐怕有難度。」
　　不熟悉而緊張，容易當局者迷。
　　另外一點則是對歌曲的「不確定」，這點主要是因為樂團中沒有負責做決定的人，團員就會花費太多時間在討論上，甚至彼此想象的音樂內容可能也不搭，彼此沒有討論清楚，到錄音時還反復在想編曲的事，音色取舍也捉摸不定。錄音不應該是討論的階段，錄音是把決定好的東西紀錄下來，去錄音室之前一切就應該有定案。也有不少情況是，主唱突然被制作人要求合聲，若來之前完全沒想過這件事，現場就會毫無想法，浪費大把時間。
　　對歌曲的不確定性太高。
　　另外一點則是對歌曲的「不確定」，這點主要是因為樂團中沒有負責做決定的人，團員就會花費太多時間在討論上，甚至彼此想象的音樂內容可能也不搭，彼此沒有討論清楚，到錄音時還反復在想編曲的事，音色取舍也捉摸不定。錄音不應該是討論的階段，錄音是把決定好的東西紀錄下來，去錄音室之前一切就應該有定案。也有不少情況是，主唱突然被制作人要求合聲，若來之前完全沒想過這件事，現場就會毫無想法，浪費大把時間。
　　誤以為混音階段還能補救。
　　許多新生代樂團對「錄音」有個很嚴重的錯誤心態：總以為混音可以挽救／改變歌曲，所以錄音的時候不是100%把心中想好的錄好；錄之前抱持著僥幸的心態，沒有做好充足準備，「但混音是 mixing 不是 fixing 啊！混音是把音源整合調理，把歌曲『應有』的樣子完善地呈現出來。」
　　有好的錄音素材，就等于是有好的食材，不需要經過繁復的料理過程，就能夠端出好菜，混音要做得好，基本上還是要有好的源頭，否則「魚不新鮮，可以油炸可以煎，烹調繁復點，最后還是能吃；如果新鮮，簡單清蒸或做生魚片已經很好吃。但現在很多樂團都只能做油炸做煎的，而且還不見得好吃……」應該要抱持的態度是，錄音時就要把每個環節做到最好，這樣才有可能在混音時變得更好。
　　現在將母帶送到國外給知名人士制作，費用比起過往低很多，但不要以為這就是萬靈丹；冠宇提醒，尤其音樂的美感和能量等感性的因素，不可能透過后制加入；Oliver覺得最無法挽救是人聲，因為人聲與其他樂器不同，「好聽」不單是拍子、音準所構成，最重要是「情感」，「這所謂的情感是很主觀、很不理智的，有時候拍子不準音不太對，反而比較好聽比較『對味』；而且人聲還包括咬字、發音、呼吸，這些非科學的元素都不太能用混音效果去調整」，音樂的本質依然是基礎，是你彈了什么、唱了什么，對于制作音樂的過程要有清楚的認知，而不是期待混音師來擦屁股。
　　錄音師們給樂團的誠懇建議。
　　熟練自己作品后，抱著「玩音樂」的心態。
　　建立了進錄音室之前的基本常識與正確觀念之后，錄音師給樂團以下建議，首要當然還是練習再練習，再者是先花時間熟悉錄音師與制作人，進錄音室前嚴陣以待，準備好自己的狀態，但在錄音室里抱持開放心態去「玩音樂」，讓作品產生更多可能。
　　「不要把在錄音室做音樂這個過程視為很技術性的，你要表達的是音樂里面的情感，很年輕的樂手來一方面會很緊張，一方面會想要把事情都做得很精準，精準這件事應該是在家練習時就發生的，你在家里都彈不準在錄音室也不可能彈得準，來錄音室要表現出來的是對音樂的情感，以及對這個樂器的想法和熱情，不是來了才在橋說彈了十個take只有一個是準的，那我覺得這個錄音很難有好的結果。」「好的演奏當然就要靠自己，錄音師可能只能幫你加油打氣、給你一個充滿愛和溫暖的環境，或是提供你酒精之類的。」
　　自己先摸索過錄音過程。
　　Oliver以制作人的觀點表示如果是錄 Demo、單曲或 EP，請盡量靠自己努力去完成，不要直接去專業錄音室，先摸索，多花時間看網絡影片（Youtube 一大堆錄音混音基礎教學），問身邊有經驗的朋友，多聽別人意見；多試用幾種不同的軟件、方式去錄（沒有哪一種是最高級的軟件、最厲害最好的），找出一套自己最舒適、最適合你需要的錄音工序。「這個過程可能要個2-3年，做出來的東西才能稍微見得人，但沒關系，因為這個過程你會受用一輩子。」
　　找第三者給予建議，不懂就別逞強。
　　Oliver提到的是，一定要找第三者來聆聽音樂、給予建議，人很難跳脫自己的角色客觀看待，客觀的意見和想法是必須的，也能讓錄音更順利，樂團有時過度執著于「不夠好」，反而浪費精力與時間，Oliver直白地說：「如果你有迫切需要趕快錄好的作品、或者是希望想做專業的專輯，那請你找一個適合的制作人，不要自己逞強。」
　　別一昧模仿，發展出屬于自己的音樂。
　　還有一點，初出茅廬的樂團經常以國外的樂團為參考，獨立樂團多數對于聲音的質地都很有想法，通常來自于聽國外同類型音樂的印象，于是會要求一定要使用什么器材，以為這樣才會有相同的聲音。小戴認為最開始的模仿沒問題，但走到后面還是要發展出自己的想法和態度，知道了別人是怎么做之后，要思考如何才能擁有屬于自己的聲音，這是每個樂團都要完成的突破與進展。

　　進錄音室之前，還是要記得靠自己的力量宅錄、摸索過錄音的過程，這對未來將有莫大幫助。